Было негласно анонсировано, что художник пребывает в новом этапе творчества — он отходит от привычных нам форм человеческих персонажей и представит новые образы. В этом слышится и мусульманская традиция не изображать людей, но что более — стремление обратиться не к внешнему облику, а к самой сути, к внутреннему миру своих героев. Для этих работ Бараш снова выбрал масштабные холсты и наполнил их узнаваемым буйством цвета, который уравновесил уже характерными нотками экзистенциализма.

На открытии выставки известный фотохудожник Рифхат Якубов напомнил публике о беседе художника Пабло Пикассо с французским мастером фотографии Брассаем. Впечатленный от снимка Брассая «Ночной Париж», Пикассо сказал что реалистическая живопись исчерпала себя и каждый художник должен выражать не внешний мир, а свой собственный — обращаясь внутрь себя и перенося на холст ассоциации и образы, рожденные его душой. Именно в этом ключе воспринимаются и картины Бараша: они ценны как отражение нашей современности, увиденной сквозь призму личного опыта автора. В каждом зале музея зрителя встречают полотна-доминанты, вобравшие в себя рефлексии последних лет и вступающие в диалог с более ранними работами художника.

Зачастую выставки в Золомане мы начинали осматривать с малого крайнего зала, но в этот раз начнем разговор с небольшого музейного. Здесь представлены сразу две новые картины мастера и каждая из них погружает в разные контексты и смыслы, но оставляет похожие эмоции.

Монументальное полотно «Къырмызы копеклер» — одно из знаковых произведений этой выставки. Анализировать живопись Асана Бараша всегда непросто: сам художественный язык мастера настолько плотен и выразителен, что любые слова кажутся лишь отголоском уже сказанного им на холсте. Эта работа — яркое тому доказательство. Перед зрителем предстаёт сцена противостояния двух агрессивных существ, чьи первобытные инстинкты прорываются наружу. Во внешнем образе, художник будто лишает их цельности, соединяя в них несочетаемые черты — приём, уходящий к мифологической традиции, где злые силы изображались как гибридные, чуждые природе существа способные лишь к разрушению. И это столкновение словно укрыто обессиленно склонившимися, обезличенными фигурами людей. Они словно тени, за которыми разыгрывается драма стихийных сил. И в этом хоре трагических фигур видны отголоски полотен представленных в других залах выставки — «Одуванчиков» и «Подвешенных», где мы встретим похожих персонажей. Они везде остаются главными героями первого плана, однако их положение неизменно, что превращает их в символ жертвенности и обречённости, пронизывающий весь цикл работ.

В этой картине художник очевидно размышляет о том, что в современном мире варварские инстинкты вновь обретают власть, а человеческое — напротив — оказывается обездвиженным, обессиленным и лишённым корней. Тончайшая проработка образов и их эмоциональная напряжённость подтверждают талант художника чувствовать свое время и умело его отображать. Перед этим полотном любая попытка анализировать кажется неуместной — оно словно сбивает голос и принимает только тишину, звучащую как аплодисменты.

Рядом расположились картины "Херсонес" и "Прощение". А на противоположной стене, нас уже ждет громкий манифест материнства под названием "Аналыкъ" (2025). Это довольно неожиданная и очень смелая работа. Художник обращается к образу женщины и кажется первым в нашей культуре позволяет себе отойти от шаблонности и показать уязвимость и другой ракурс реальности. В этом подходе ощущается созвучие с великими мастерами: на рубеже XVIII–XIX веков Поль Сезанн в «Купальщицах» отказался от академической объективизации женского образа и представил его в гармонии с природой как часть естественной среды, а через несколько лет Пикассо в «Авиньонских девицах» радикализирует этот процесс, обращаясь в этнический привитимизм и представляя маскообразные лица женщин, несущие дикую, первобытную силу. И теперь ряду просматривается Асан Бараш с картиной «Аналыкъ», где женский образ прописан в стиле наскальных рисунков, в очень архаичном, тотемном прочтении. Изображаю женщину как сакральный центр и символ подарованой жизни. «Аналыкъ» можно прочитать как и визуальную метафору крымскотатарского опыта, где мать — фигура, сохраняющая традицию, язык и жизнь в условиях исторических потрясений. крымскотатарской культуры — хранительница памяти, материнства и жертвенности. В ней одновременно провозглашается и современная культура голосом которой стал лозунг "Дерт бизим къутураджакъ" как символ надежды и силы, так и образ женщин депортационной культуры как спасение и жертвенность.

Так сложилось, что в нашем искусстве образ матери отображался все более в трагических контекстах. Примером может послужить представленая в центральном зале картина "Ожидание" (2023) где представлена пожилая женщина в надежде смотрящая в даль. Похожие образы мы можем заметить и в фольклоре и учитывая цикличность исторических событий - они довольно понятны и похожи. И абсолютно новая другая "Аналыкъ"
Образы, которые создает художник очень яркие, смелые в композиционных решениях и абсолютно уникальны. Непременно, через десятки лет у нас будут поколения художников, которые будут наследовать его стиль и технику, цитировать. Только это случается спустя время, а сейчас мы имеем абсолютно уникальную возможность - быть в одно время с художником и первыми увидеть "Аналыкъ" и суметь прочувствовать этот нерв современности побудивший его написать это полотно.

Узкий проход уже направляет в центральный зал. И первой здесь встречает работа в небесно-синих тонах "Папазлар" (2025). Визуально это довольно отторгающая картина, местами грехоподобная и шаржевая. Художник Обезличенные и деформированные фигуры. Здесь художник уверено говорит о сущности персонажей, позволяя себе изображать их без мирских прикрас, а то какими он их видит. Наблюдая за творчеством художника, хочется заметить что если раньше он больше обращался внутрь себя как крымского татарина, то последние годы он больше анализирует окружающий мир и себя (нас) в нем. Поэтому его "Папазлар" не отдают присущим таким работам шаржем, а скорее настроением пикассовской Герники ???

А на противоположной стене, будто подшучивая расположилась картина с обнаженной фигурой. И в этом прочитывается некая особенность. Для того чтобы быть крымскотатарским художником, нужно отказаться от условностей и позволить себе быть, отображая в этой уникальность своего взгляда. Зритель привык сравнивать народных мастеров с мировыми именами: похожи ли они на Гойю или Пикассо, на Модельяни или великого Леонарда. Однако есть некая закономерность, что глядя на взрослое поколение крымскотатарских художников их не удается сравнить с кем-либо. Глядя на картины Асана Бараша сложно осознать что это абсолютно уникальный и неповторимый мастер, взращённый любовью к Буюк-Озенбашу, И говоря художник мы не столь подчеркиваем не его владение кистью, а способность так тонко проанализировать и отобразить нашу реальность. Вот справа работа "Поколения" написана о каждом из нас. Слева - А на противоположной стене обнаженная фигура - потому что удивительным образом, в нашей культуре существует это уважение к искусству??

Рядом с "Папазлар" расположилась раннее упомянутая картина "Подвешенные" (1997). На нескольких картинах художника мы встречаем этих героев и этот сюжет. И каждый раз они обращены в сказочных персонажей - будто мы видим иллюстрацию к детской книге со счастливым концом, но лишь всмотревшись в детали вы поймете что это не сказка, а быль. Часто принято давать названия поколениям творчерческой интеллигенции - так мы знаем о потерянном поколении конца 1920-х, разбитом поколении 1960-х связанных с американской или европейской культурой. Однако оглядываясь на ношу историю и опыт, кажется очень точным определением поколению

Малый выставочный зал встречает сразу двумя важными акцентными работами - "Без слов" и "Нелер истейсыныз". И здесь мы возвращаемся к малому залу где в центре представлена картина "Без слов", либо "Автопортер" как ее называет автор. Эту картину можно описать как представляющего на суд зрителя свою картину художника, склонившегося на колени и склонившего свою голову в полотно. Часто говорят, что Асан Бараш не любит раскрывать смысл своих картин, в каждой из них, как и здесь, мы видим раскрытую душу художника и разве этого мало?

На втором этаже представлены уже знакомые зрителям картины и довольно узнаваемые. Среди них сразу привлекают внимание несколько выделяющихся своим стилем. что обрамленые картины были успешно представлены на выставке в Нью-Йорке. И только вступив в этот зал, внимание сразу превлекают именно эти работы - расположенные рядом Рой и Подсолнухи" и ?. По цветовым решениям, по технике и сюжетом - работы Бараша 2000-х годов


Асан Бараш - один из самых узнаваемых крымскотатарских художников современности. Если наша культура одарена такими талантливыми художниками, значит в нашем народе и нашем зрителе есть сила понять это искусство и нести в мир.